Искусство без границ

Двухметровая серая каракатица, распростертая в черной блестящей луже на бетонном полу1. В луже отражаются разноцветные неоновые надписи2. Неподалеку шалаш с несколькими телеэкранами3, а в пяти метрах увеличенная модель игрушечного НЛО4, и все это на фоне монументального черно-белого полотна с социальной тематикой. Такому выставочному сюрреализму куратора Симона Ламюньера позавидовал бы сам Марсель Дюшан. Площадка «Art Unlimited» уже много лет является одним из самых ярких событий недели «Арт-Базеля» и вызывает каждый раз повышенный интерес зрителей и критиков. Этот год был тем более особенным, так как женевский куратор представил свой последний вариант павильона «Art Unlimited», перед тем как бразды правления этой зрелищной площадки перейдут Джиани Йетцеру. Куратор отобрал 62 галерейных проекта и расположил их на 17 тысячах квадратных метров выставочного холла, создав необычные сочетания, неформальные диалоги — подходящее пространство для медитативной прогулки среди выдающихся произведений современного искусства.

В этом году можно было видеть уже ставшие классическими световую геометрическую форму Джеймса Таррелла («Joecar Blue», 1968, Almine Rech Gallery, Paris) и неоновый коридор Дэна Флейвина («Untitled (to Barry, Mike, Chuck and Leonard)», 1972–1975, Paula Cooper Gallery, NY), пройти вдоль самого длинного эстампа в исполнении Роберта Раушенберга («Currents», 1970, Peter Freeman, Inc., NY), постоять перед багровой восковой композицией Аниша Капура («Push-Pull», 2008, Galleria Massimo Minini, Brescia), выглядящую одновременно как законченный проект и как маленькая часть длящегося эксперимента с воском и движением. По стальному полу Карла Андре («9 x 27 Napoli Rectangle», 2010, Alfonso Artiaco), к сожалению, нельзя было пройтись. Приятно удивил самый молодой участник Джакоб Кассэй (р. 1984): в его проекте5 можно было окунуться в атмосферу онирической музейной прогулки, как в зазеркалье — в белом зале с матовым освещением развешены около десяти квадратных полотен, покрытых серебряной рельефной краской. Если смотреть в непосредственной близости к поверхности полотна, смутное очертание зрителя в матовом и теплом инее зеркальной поверхности сменяется внезапно выплывающими четкими чертами лица, и зритель видит свой завороженный взгляд, каким обычно смотрит на произведения искусства. Также притягивала внимание посетителей «Труба, или Аллея долголетия» Инспекции «Медгерменевтики» (1995), представленная галереей «Риджина» (Москва, Лондон), где многозначительная труба, подвешенная на уровне глаз, соединяла распределенные на противоположных стенах графические изображения лиц, стареющих и омолаживающихся в геометрической прогрессии. При этом ряд разновозрастных зрителей (от старушек до детей в колясках), ожидающих своей очереди, чтобы заглянуть в трубу, создавал еще одну параллель к настенным изображениям, удачно дополняя композицию Павла Пепперштейна и Сергея Ануфриева.

Развешенные по стенам отдельного пространства широкоформатные фотографии физиономий спящих пассажиров (Марк Валлингер, «The Unconscious», 2010, Carlier gebauer, Berlin, etc), и выставленные на рейке по периметру зала белые паспарту с вклеенными почтовыми маркам с коллекцией старинной живописи (Ханс-Петер Фельдман, «Stamps with Paintings», 2005, 303 Gallery, NY) , наоборот, вызывали сомнения в простоте художественного решения и проявленности замысла. В области видеоарта необходимо отметить мультиканальную видеоинсталляцию ветерана «Арт-Базеля» Джона Балдессари («Five 1968 films (New)», 2000), посвященную памятным событиям Пражской весны. Заслуживает интереса еще одно кураторское решение Симона Ламюньера: он выделил целую аллею для крупномасштабных произведений арте повера из кирпичей, шин, каменных плит, а также нескольких «домиков» Марио Мерца («74 gradini riappaiono in una crescita di geometria concentrica», 1992, Tschudi), тем самым отдав должное этому движению, отношение к которому на рынке искусства потеплело в последние несколько лет.

Дорогу молодым

В том же павильоне, что и «Art Unlimited», расположилась секция «Art Statement», созданная более 10 лет назад для продвижения начинающих молодых художников на мировую арену. В этом году жюри выбрало 27 участников из 300 претендентов, дав им возможность представлять себя и свое творчество, как правило, при поддержке также начинающей галереи. Часто случалось, что после участия в «Art Statement» на «Арт-Базеле» художникам предлагали весьма важные выставки. Среди участников предыдущих лет можно назвать Пьера Хуига, Уильяма Кентриджа, Эрнесто Нето, Уго Рондиноне и Кару Уолкер, ныне считающихся достойными представителями актуального искусства.

Кроме того, с 1999 года двум наиболее выделившимся молодым художникам присуждается премия группы «Балуаз»: 30 тысяч швейцарских франков и покупка произведений с последующей передачей в престижные музеи, таких как гамбургский Кунстхалле или венский MUMOK.

В этом году были премированы Алехандро Сезарко (р. 1975) из Уругвая и Бен Риверс (р. 1972) из Англии. Особенно интересен проект Бена Риверса «Sack Barrow» (2011) — фильм на 16 мм пленке, в котором неторопливая съемка старой фабрики в предместье Лондона за несколько дней до ее закрытия превращается в медлительное прустовское описание самых простых движений, фиксирующих течение реального времени, и поиск ярких цветовых пятен в повседневном пространстве, подобных едва видимому желтому краю стены в делфтском пейзаже Вермеера.

Искусство с утилитарными качествами или не совсем

В составе выставочного комплекса на Мессе-платц один павильон был отведен дочерней ярмарке «Арт-Базеля» «Дизайн Майами/Базель» («Design Miami/Basel»), где расположились галереи, специализирующиеся на различных направлениях дизайна ХХ и XXI века. В рамках этой ярмарки можно было приобщиться к хрестоматийным предметам дизайна, будь то конструкции «Ферембаль» Жана Пруве, которыми решили блеснуть сразу две французские галереи, или комплект стола со стульями Мис ван дер Роэ. Эти предметы задавали достаточно высокий уровень для современных дизайнеров, подборка была превосходной, и произведения хорошо передавали дух времени. Отметим работу Бес Кэтлман («Folly», 2010, Todd Merrill Studio Contemporary): если смотреть на нее с расстояния, то это ультрамариновая стена, покрытая белым узором и напоминающая настенные ткани в стиле рококо, но вблизи оказывается, что узоры — нагромождение фарфоровых слепков с пластиковых игрушек (кукол, машинок, туристических безделушек и т.д.).

Во время ярмарки «Дизайн Майами» тоже присуждается специальная премия для молодых художников. Она поощряет проекты, не имеющие практического применения, но обращенные в будущее. Так, в этом году выделялись машинка для выдувания облаков (Азиф Хан, Великобритания), гончарный станок, реагирующий на человеческое присутствие (группа «Mischer'Traxler», Австрия), и комплексные работы группы «Juju» из Сингапура.

Лабиринт галерей

Основная часть галерей — 300 участниц ярмарки из США, Германии, Швейцарии, Англии и Франции — расположилась на двух этажах центрального холла, собрав немыслимое количество работ. К сожалению, из России была только одна галерея «Риджина», но, например, работы Павла Пепперштейна висели на нескольких других иностранных стендах.

Помимо традиционно продающихся винилов Уорхола, картин Миро, Пикассо, Бэкона, Шагала и других, критики отмечали широкий выбор монументальных скульптур: изгнание Адама и Евы из рая из золотой материи Лизы Лу («The Damned», 2003–2004 , L&M), гигантская подвеска из бусин француза Жана-Мишеля Отоньеля («Le noeud de Lacan», 2011), белые металлические воздушные сидящие фигуры (Жаумэ Пленс, «The Three Graces», 2010, Lelong) или двухметровый скомканный лист газеты «The Art Newspaper» (Олаф Mетцель, «2010...», 2010).

Здесь можно было встретить современную скульптуру или объект дизайна, стилизованные под мегалитическую Венеру, романтический портрет женской головки, выполненный в современной технике (Михаэль ван Офен «Ohne Titel», 2011), лепной фарфоровый почти абстрактный настенный церковный декор эпохи барокко, где шероховатости и незаконченность создают впечатление пышности, как в церкви иезуитов в Риме (Лучо Фонтана, 1950-е). Некоторые используют старинное искусство в качестве исходного материала. Так, Фабрис Самин («The Artist, the Muse and the Viewer», 2011, Sies + Höke) воспользовался настоящей картиной маслом, которая после реставрационного снятия лакового покрытия по заданному Самином контуру изображала уже не только изначальный живописный портрет художника с музой, но и образ стоящего перед ними абстрактного зрителя. Такой подход предлагает пересмотреть теорию авторства и оригинала, взаимодействие со зрителем в классической истории искусств и перейти к размышлению о теории Николя Буррио. Тем и интересен «Арт-Базель», что дает пищу для раздумий о развитии современного искусства, исходя в равной мере из укоренившихся и из недавно зародившихся теорий искусствознания.

1David Zink Yi, «Untitled (Architeuthis)», 2010, Hauser and Wirth NY, Johann König, Berlin

2Jason Rhoades, «Untitled (From the Body of work: My Madinah: in pursuit of my ermitage...)», 2004, Hauser and Wirth, Zürich, David Zwirner, NY

3Michek Auder, «Dinner is served», 2010, Scheibler

4Lun Tuchnowski, «The Alpha», 2010, Juda

5Jacob Kassay, «Untitled», 2011, Art Concept, Paris, Xavier Hufkens, Bruxelles

Фото Николая Капырина

ДИ №4/2011