Если Прадо — хранилище традиционного искусства в Мадриде, то Центр королевы Софии, прозванный мадридским МоМА, представляет мировое модернистское искусство, крупнейшее в Испании собрание. Музей располагает просторным, с высокими потолками пространством для экспозиций.

Любопытна история этого здания. Еще в ХVI веке король Филипп II решил объединить разные хосписы, разбросанные по Мадриду, в одну центральную больницу. Музей как раз и расположен в здании бывшей главной больницы, построенном между 1776–1781 годами, и на протяжении столетий подвергавшемся архитектурным пере­делкам, разным модификациям и добавлениям, в которых участвовал и знаменитый архитектор Жан Нувель.

Коллекция состоит из переведенного в музей собрания произведений ХХ века Прадо, собрания испанского Музея современного искусства, произведений художников, награжденных премиями на национальных выставках, разных приобретений, работ, полученных от меценатов. Самый ценный дар — от дочери скульптора Хулио Гонсалеса: 38 скульптур, 16 картин и рисунки — широкая панорама разных стадий его творчества. Особый акцент в коллекции Центра королевы Софии сделан на произведениях крупнейших испанских художников ХХ века: Гриса, Дали, Миро и Пикассо.

Впечатляющую панораму испанского искусства начала прошлого века представляют произведения художников, работавших в двух центрах: Каталонии и Стране Басков — Р. Касос, С. Русиньол, Х. Миро. Касос был одним из самых прославленных художников своего времени, создавал портреты интеллектуалов и представителей крупной буржуазии. В первые годы ХХ века И. Сулоага добился признания благодаря своим пейзажам, портретам, народным сценам. Картина «Поколение» (1898) и другие считаются знаковыми. Это глубокие размышления автора о возрождении нации.

Искусство и культура, доминировавшие в этот период модернизма, являются впечатляющей версией ар-нуво, обозначившей их истинное возрождение, что превратило Каталонию в один из европейских центров.

Довольно оригинальным художником был Х.Г. Солана, которого особенно привлекали тема смерти, сюжеты с жутковатыми процессиями («Процессия смерти», 1930). Преодолевая академические ограничения, используя оригинальную технику, он создал уникальную форму экспрессионизма, очень личностную. В его своеобразном стиле прослеживается глубокая связь с традицией испанской живописной школы: Рибера, Сурбаран, Эль Греко, ранний Веласкес, Гойя.

Хотя среди крупных представителей основного направления международного авангарда — кубизма были испанские художники — Пикассо, Грис, авангардистские движения в Испании не были известны до Первой мировой войны. В музее, однако, представлены многие знаковые имена: Соня Делоне, Пикассо, Липшиц, Лоран, Фрэнсис Пикабиа… Х. Торрес-Гарсия — самый яркий представитель течения ноуцентизма (noucentisme)*, использовавший в своем творчестве элементы кубизма и футуризма. Позже он вдохновлялся конструктивизмом.

Из всех художников, посещавших Испанию в первые годы ХХ века, возможно, именно Пикассо обратил внимание на испанские темы, что обнаруживается в его работах 1940-х. Пикабиа начал карьеру под влиянием кубизма, но вскоре перешел к более загадочному стилю, вдохновившись миром машин и механизмов, его произведения, почти всегда провокативны благодаря сексуальной символике. Творчество Липшица демонстрирует достижения и неизбежные ограничения куби­стической скульптуры.

В зале Гриса, общавшегося в Париже с Пикассо, Браком и Д.Г. Канвайлером, ставшим его дилером и биографом, можно проследить изменения в его стиле в 1910–1920­е. Пример оригинального испанского кубизма — «Открытое окно» (1921).

Пабло Гаргальо и Гонсалес — самые крупные испанские скульпторы­авангардисты. В коллекции музея несколько ключевых работ Гаргальо периода между войнами, показывающих мастерство автора в моделировании пустоты. В скульптуре «Великий пророк» (1933) использована монументальная конструкция, в которой присутствует пустое пространство и применяются традиционные техники моделировки и приемы резьбы металла. А в «Маске Греты Гарбо с локоном» (1930) ясно ощущается доминирование принципов скульптуры. Гаргальо закручивает металлический лист, будто это глина, демонстрируя совершенство в обработке стали, выразительные возможности скульптурных отверстий как элемента пластической композиции. Специфика работ Гонсалеса обусловлена двумя факторами: использованием железа и обыгрыванием пустого пространства как интегральной части скульптуры («Голова, прозванная кролик», 1930). Гонсалес создал свой стиль, нечто среднее между экспрессионизмом, сюрреализмом и конструктивизмом, не отказываясь в то же время от фигуративных и абстрактных элементов.

Логично, что основное место в музее занимают произведения Пикассо. Здесь находятся три самые значительные скульптуры («Женщина в саду», 1929–1939; «Женщина, делающая приношение, 1993; «Человек с линейкой», 1943). В «Женщине в саду» достигнут совершенный симбиоз между гибкой и в то же время монументальной структурой и визуальным и тактильным богатством бронзы.

В картине «Женщина, сидящая в сером кресле» (1939) искаженное лицо и тело женщины (характерные черты ню и портретов Пикассо первых лет немецкой оккупации) выражают нечто угрожающее. Она предстает как жертва, как символ страдающего человечества.

Миро представлен произведениями разных лет. Работы сюрреалистического периода (1923–1929) наполнены специфической сновидческой атмосферой. Хотя Миро оставался вне групп и идеологий («Полка, женщина, цветок, звезда», 1934), Бретон называл его самым сюрреалистич­ным из всех сюрреалистов.

Его монументальный «Портрет 2» (1938) — суровый, почти тотемический персонаж. Чистые тона на большой поверхности создают поразительное ощущение присутствия этой фигуры рядом с вами.

В трех ранних картинах Дали (1923) прослеживаются влияния кубизма и метафизической живописи. В конце 1920­х, основываясь на теориях французского психоаналитика Жака Лакана, Дали разработал свой критико-параноидальный метод. По словам художника, это «спонтанный метод иррационального знания, основанного на критическом и систематическом овеществлении-воплощении бредовых ассоциаций и интерпретаций». Фантазии каталонца достигли зенита в картине «Великий мастурбатор», в которой автор создает изощренный образ кузнечика, сосущего тело большой метаморфозной фигуры. Это насекомое терроризировало Дали в кошмарах с детства.

В зале испанского искусства 1920–1930­х выделяется картина Даниела Диаса «Веселье в баскских окрестностях» (1920), привлекающая удивительной композиционной сбалансированностью. Он привнес в испанское искусство свое знание парижского авангарда. Понсе де Леон — один из интересных последователей магического реализма в Испании, трагически умерший во время Гражданской войны. В картине «Происшествие» (1936), включающей автопортрет, художник предвидит свою трагическую смерть.

Определяющие работы в зале испанской скульптуры — бронзовые композиции Анхела Ферранта, монументы Рамона Маринелло, первые «Конструкции» Миро. Самая утонченная скульптура — «Часы ветра» (1967). Название не просто поэтичное, метафоричное. Ветер меняет характер атмосферы, а часы — естественный ход истории.

1950-е — переходный период в испанском искусстве. Сохраняется изоляция, но обозначились и важные тенденции, благоприятствующие развитию искусства. Об этом можно поразмышлять в залах, посвященных зарождению абстрактного искусства в Испании, где представлены работы художников, применявших новые средства выражения.

После путешествия в Латинскую Америку Х. де Отейса активно использовал в своих работах мотивы примитивных культур. Существенным элементом его трехмерных скульптур становится пустота («Метафизическая коробка», 1958). Небольшая вещь состоит из железных полос, окружающих ядро пустоты.

В музее хранятся работы, имеющие фундаментальное значение для испанского искусства, в их числе и произведения группы «Кобра». Экспрессионистский «Новый год» (1958) А. Йорна — характерное произведение, воплощающее эстетические принципы группы. В музее есть и работы Ф. Бэкона, и монохромные синие полотна И. Кляйна, и семь произведений Л. Фонтана, в которых можно оценить его твердое намерение разрушить границы между живописью и скульптурой.

Испанский авангард оказал влияние на развитие европейского искусства второй половины ХХ века. А. Саура получил известность своими «Распятиями». В искаженных фигурах на его картинах нет ничего мистического или скандального: абсурдно висящий на кресте одинокий человек противостоит окружающей реальности. Саура входил в группу информальных художников, одного из основных течений в испанском искусстве 1950– 1960-х (П. Серрано, М. Мальярес, Р. Каногар).

А группа мадридских реалистов обрела свой зрелый стиль в 1960­е. Ее лидер А.Л. Гарсиа изображает с предельной точностью сцены из повседневной народной жизни («Улица де Сальва. Валенсия», 1979).

Все элементы в искусстве П. Паласуэло, абстрактные по своему характеру, в то же время визуально и формально очень информативны. Ряд работ А. Тапьеса в музее позволяет проследить творческий путь мастера. До 1963 года в его искусстве доминировала материя, формат картин стал со временем больше, цвет глубже, иногда почти монохромный, смешанная техника заменила масло. Этот период — «работа с материей», а стиль с 1950 года называют искусством присутствия. Стена — одна из любимых тем художника, подвергающего поверхность холста разным манипуляциям: процарапыванию, соскабливанию, разрывам, как в «Наложении серой материи» (1961). В своем творчестве Тапьес всегда отдавал предпочтение бедным материалам: ветхим тканям, соломе, старым тряпкам… Работы «Одежда на картоне» (1974), «Большая дверь в спальню» — примеры мастерского использования материалов и текстур предметов, превращающих их в знаки.

Баскский скульптор Э. Чильида в своем творчестве добился успехов в передаче подлинной сущности материалов, с которыми работает (железо, дерево, сталь, алебастр, глина). Он акцентирует характерности материала. Алебастр светлый и прозрачный. В скульптурах из дерева ощущаются живые стволы с их узлами, шероховатостями, которые автор специально сохраняет. К железу он относится очень уважительно, выявляя его сущностный, выразительный характер. Аристотелевская концепция топоса, пространства­места — важный знаковый элемент скульптур Чильиды. Для него пространство — место встреч и поле творения. Пустота, ритм и музыка интегрируются в скульптуры «Топос». В музее представлены работы Чильиды, выполненные в стали, кованом железе, алебастре и терракоте (1980­е).

Достойное место в Музее королевы Софии нашло и минималистское искусство, и работы представителей недавно возникших течений. Композиция Б. Наумана «Без названия: модель для траншеи, ямы, канала» (1978) сделана из стекловолокна. Художник использует современные материалы, но произведения выглядят грубыми и незавершенными. Контраст между промышленными материалами и их почти ручной обработкой рождает у зрителя чувство неуверенности и беспокойства.

Заслуживает упоминания и деятельность группы «Zai», в которую входили испанские музыканты, композиторы, художники (Х. Идальго, Вальтер, Маркетти, Р. Барсе…). Они устраивали эстетические процессии, акции и концерты, устанавливая непривычные отношения между зрителем и художником. Концептуальная оригинальная деятельность «Zai» — разрыв с культурными и социальными ценностями, в том числе ценностями авангарда. В музее представлены их знаменитые «Карты» с любопытными подписями.

В августе 2008 года музей открыл для публики террасу на крыше, позволяющую увидеть панорамные виды города, включая вершины деревьев парка Ретаро. С 2009-го здесь проходят танцевальные представления и вечера поэзии.

* Термин, означающий 1900-е годы, применялся к каталонскому арт-движению 1906–1931 годов, возникшему как реакция против модернизма и выступавшему за возврат к классицизму. Возглавлял движение художник Эухенио Д’Орс.

ДИ №6/2011