Трансформация пространства

Выставку Дмитрия Гутова «εἰκών»(образ, изображение) условно можно назвать синтезом графики, скульптуры, объекта, рельефа. В качестве первоэлемента своих композиций художник использует полосы черного металла. Изысканно изогнутые, они компонуются в плоскости, рассекают друг друга, образуя пространственные композиции. Вблизи объекты, созданные Гутовым, хаотический мир ясных линий, но существует точка, определенное расстояние, с которого этот однородный хаос начинает восприниматься как мощный и ясный образ. Для возникновения образа важна его узнаваемость. Если на предыдущей выставке Гутов выбрал в качестве матрицы изображения выдающихся писателей, то на этот раз исходным была икона. Сравнение этих двух экспозиций показывает, что именно духовная направленность формирует путь художника к ясности и совершенству. На последней выставке мощь первообраза позволяет художнику соответствовать идеальной красоте и лаконичности, свойственных первоисточнику, хотя формально Гутов отказывается от изобразительных средств и техник, используемых при создании иконы. Под воздействием мощного художественного импульса тяжелый и инертный металл проявляет легкость, отрешается от материальности, произведения обретают образную убедительность. Вероятно, зритель, стоя перед этими произведениями, заполняет пустой абрис лица Богородицы конкретным, близким ему образом. Иной художник мог бы использовать этот прием в качестве очередного вызова традиционной духовности. Но трактовка Гутова далека от этого. Хотя можно говорить об авангардном синтезе традиций русского духовного искусства и восточных (арабских и китайских) каллиграфических школ. Эти материально тяжелые конструкции воспринимаются как легкие импровизированные каллиграммы или иконописные прописи.

Искусство родом из детства

Выставка Евгения Антуфьева «Исследование материала: поглощение» в галерее «Риджина» открылась одновременно с выставкой Дмитрия Гутова. С точки зрения формообразования Антуфьев проделывает обратный путь. Гутов из грубого металла создает эфирные образы высокого содержания, Антуфьев деконструирует разного рода материалы, ассоциирующиеся с детской комнатой, полной игрушек. Окрашенные в нежные тона, они используются для конструирования странных, жутких существ. Художник утверждает, что родом они из его детства, из ощущений от просмотра мультфильмов. Восприятие их персонажей как хтонических образов с возрастом лишь укрепилось в сознании художника. Выясняется архетипическая устойчивость неких персонализированных сущностей, олицетворяющих уродство и жестокость, независимость их существования от воплощения в материальной форме. Комбинация уютного и ужасного, так же как и богатство фантазии автора, усиливают зловещий эффект выставки. Для создания хоррора, оказывается, не требуются колоссальные объемы или потоки крови. Страхи камерны и обозримы, и большинство из них выходит из детской комнаты. И это, как ни странно, производит терапевтическое воздействие.

Лексикон несвободы

Выставка художника Сергея Сорокина «СвоеНеволие» состоялась в центре Сахарова. Цикл из 60 работ обрел прекрасное экспозиционное пространство. Концепцию выставки проясняет художник: «Я отдаю себе отчет в том, что полное освобождение личности невозможно, но перечислить факторы, сковывающие человека, независимо от того, может ли он на них хоть как-то влиять, необходимо. Предупрежден — значит вооружен. Значит, может выбрать, что ему мешает, сделать выводы и попытаться бороться, а такая попытка дорогого стоит».

Автору удается создать лексикон несвободы. Сергей Сорокин продолжает традицию авторов, исследующих лексикон в современном искусстве — Гриши Брускина, Дмитрия Александровича Пригова, но изобретает собственный гибкий и понятный язык. Его «морфемы» — это бумажные полотна одного размера, где он коллажирует живопись и разнообразные материалы четко определенным способом. Художник использует семь геометрических форм (аналог семи нот в музыке) и крест, не входящий в число этих форм, несущий особую смысловую нагрузку. Ограничивает себя автор и в цветовой гамме. Его ассамбля-жи сложны, но сознательно открыты для понимания техники их изготовления. Он стремится к максимально монументальному и понятному высказыванию. При этом художник поддерживает пластический образ текстами, помещенными рядом с работами. В них Сорокин перечисляет факторы несвободы современного человека.

Искусство этого художника, находящегося в поисках нового пластического языка, распространяется на территорию метафизики, социопсихологии.

Пространство утопий

С 27 апреля по 17 июня в МУАРе показывали выставку «Москва. Фабрики утопии» художника Алессандро Папетти. Этот миланский художник был привлечен к проекту Третьей архитектурной биеннале. Его взгляд на ландшафтные постпромышленные площадки Москвы раскрывает мощь и текстуальность этих пространств. Выясняется, что для европейца они не просто заброшенные территории, но объекты, обладающие особой исторической энергетикой, утраченной цивилизованным сообществом в рамках проекта постмодернизма.

По стилистике 30 работ, привезенных в Москву, близки к творчеству московского графика и живописца Константина Батынкова. Последний не так эпичен, но его способность к виртуализации, изобретательности в использовании схожих индустриальных мотивов создала устойчивый фон восприятия этих объектов. Итальянец смотрит на подобные пространства не столько как археолог, сколько с надеждой на возможность нового футуристического проекта. Явно, что этот успешный автор, тяготеющий к стилистике промышленной археологии, обнаружил в Москве богатый материал. Крупные заводы — ЗИЛ, «Москвич» (АЗЛК), ГПЗ-1 — стимулировали Папетти к созданию в своих работах неофутуристической утопии. Взаимодействие русского и итальянского футуризма в очередной раз осуществляется спустя век после их возникновения. Вероятно, это симптом ожидания культурологического и технологического обновления, а возможно, и декадансная ностальгия по прошлому.

«Отдам в хорошие руки!»

В фонде «Эра» с 4 по 24 апреля прошла выставка-акция Анны Желудь «Отдам в хорошие руки». Это мероприятие — художественный концептуальный жест, уникальный тем, что его культурологическая направленность и естественные потребности художественного быта, своего рода житейской необходимости, органично совпали. Анна Желудь, переехавшая из Питера в Москву в поисках возможности воплощения своих концептуальных проектов, в актуальной стилистике добилась немалых успехов. На самом деле ее прозрачное искусство крайне сложное, многоуровневое. Признание, в том числе и международное, ей принесли масштабные инсталляции, посвященные феминистским темам, но параллельно она создавала живописные работы, сочетающие собственную версию минимализма с глубоким и тонким пониманием традиций русской живописи последних пятидесяти лет. Желудь выставляла свои полотна и в отдельных экспозициях, и в составе инсталляций. Это богатый материал, вероятно, переполнил ее «мастерскую», и возникла необходимость освободить пространство для новых работ. «Отдам в хорошее руки» — предельно понятный и искренний жест художника, вызывающий уважение и интерес. Широкие массы любителей искусства в ходе выставочной акции могли безвозмездно получить в собственность работы художницы. Вероятно, и сама Анна таким образом получила уникальный импульс для движения вперед.

И снова о живописи

12 апреля в ЦТИ «ПRОЕКТ_FАБRИКА» открылась выставка «Checkpoint». В ней приняли участие художники Вика Бегальская, Алексей Васильев, Юля Застава, Тимофей Караффа-Корбут, Таисия Короткова, Егор Кошелев, Влад Кульков, Диана Мачулина, Иван Плющ, Александр Погоржельский, Владимир Потапов и Валентин Ткач. Интересно сравнить сессию авторов, изначально работающих в области живописи, с проектом молодых художников, выросших в медийном пространстве, для которых живопись — один из инструментов художественной выразительности. На выставке «Checkpoint» участники решили показать именно живописные полотна как отдельные явления и предложить проект нового освобождения этого жанра от традиционных наслоений, от своего рода «корок», скрывающих содержание. Выставка, конечно же, получилась очень пестрой, «непричесанной». Часть работ выполнена живописно, вручную, в других прослеживается использование современных технических средств. Объединяет авторов поиск новых тем и мотивов, доступных живописному изложению.

Данная трактовка живописи – концептуальный отказ от метафизичности и обращение к своеобразному репортажу, поиску и фиксации экзистенциальных ситуаций, которые невозможно описать иным, нежели визуальным, языком. Иван Плющ и Владимир Потапов реконструируют образ, деструктурированный в медийной среде. Алексей Васильев, Вика Бегальская создают экспрессию образов за счет колористических находок. Новую декоративность в потребительском китче находит Диана Мачулина.

Инновация 2012

29 марта в Государственном центре современного искусства открылась выставка номинантов Всероссийского конкурса «Инновация». Это выставка в седьмой раз предваряет вручение премии и знакомит зрителей с важнейшими проектами года. Конкурс в этом году оказался действительно серьезным, заявки подали более 300 художников, но в экспозиции мы видим работы по большей части хорошо знакомых широкой публике авторов.

В прошлом году победителем конкурса стала группа «Война», представлявшая социально ориентированный, политически агрессивный проект, на этот раз доминировала атмосфера определенной эстетической уравновешенности и созерцательности, отстраненности от событийности. Организаторам удалось найти интересный ход в экспонировании, который также подчеркивает изменившийся тон художественных высказываний. Вместо изолированных боксов было решено использовать круговую систему презентации работ, когда из одной точки экспозиции можно охватить взглядом несколько проектов, сопоставить их друг с другом. Более того, чтобы показать масштабные работы, которые невозможно представить в полном объеме, организаторы использовали фото- и видеоматериалы с текстовым описанием. Благодаря способу презентации возникает ощущение гомогенности, однородности среды.

Группа «Куда бегут собаки» представила на выставке акцию «Вязание на спицах и крючком множества Мандельброта», которая длилась на протяжении всего экспозиционного периода. Женщина, расположившаяся в кресле, увлеченно вязала. Концепция, в соответствии с которой создавался рисунок вязки, была нетривиальна и построена на определенном математическом образе, имитирующем случайный процесс, но имеющий строгий алгоритм. Можно было предположить, что речь идет об удивительной способности современного искусства адаптировать любого человека к художественному творчеству и о способности к конформизму в широком смысле этого слова.

Андрей Кузькин создал работу, посвященную археологии собственной личности. «Все впереди!» — заявляет художник и прощается с собственным прошлым. Предметы своего быта, одежду, сбритые со всего тела волосы он помещает в заваренные ящики и экспонирует эту груду в виде хаотичной пирамиды. Главное достижение художника — визуализация индивидуальной истории как свалки, в которой нет смысла копаться. Хотя может статься, что это подготовка к переезду… Пусть и в новое экспозиционное пространство. «Хранить нельзя выбрасывать» — где поставить запятую, Андрей Кузькин для себя точно решил. Также в ГЦСИ можно было увидеть граффити Валерия Чтака, посмотреть фильм «Бесконечная история» художника Романа Мокрова, в котором он наблюдает за людьми, мигрирующими каждый день из ближайших городов в столицу и обратно. Для тех, кто не доехал до заброшенного коллектора, в котором Александр Бродский создавал свой проект «Цистерна», было представлено видео, позволяющее проникнуться атмосферой этой масштабной инсталляции.

Большинство проектов не столько предлагают новые идеи и концепции, сколько обрисовывают круг интересов художников, границы творческой мастерской. Проекты в этом году представлены в основном личные, даже интимные, рассказывающие о пережитом опыте авторов. Нам же остается реконструировать эти истории и находить параллели с собственными ощущениями, что заставляет вспомнить о традициях, заложенных в отечественном искусстве еще в 1970-е годы.

ДИ №3/2012