Между двумя башнями. Стас Волязловский

ГАЛЕРЕЯ «РИДЖИНА»

По какой-то до конца не проясненной причине практически каждый русский человек, независимо от принадлежности к тому или иному социальному слою, хорошо представляет себе эстетику «низов». В комплексе его ощущений, психологической иконографии присутствуют отталкивающие изображения бомжей, проституток, синих пластиковых туалетов, звуки грязной матерной речи. Всему этому сопутствует естественная реакция брезгливости и отторжения, желание закрыть дверь, через которую поступают подобные образы. Художник Стас Волязловский, по всей видимости, тяготеющий к изучению антропологии современности, все эти реалии видит иначе. Он использует методику погружения в этот неприятный мир, его визуализацию, что, по его мнению позволяет избавиться от навязчивых картинок, называет это своеобразной психотерапией. На выставке «Между двумя башнями», открывшейся 24 ноября в галерее «Риджина», Волязловский собирает атрибуты «шансон-арта». Тут и якобы тюремные простыни, на которые шариковой ручкой художник нанес похабные рисунки, и уличные туалеты, в которых транслируется видеобиография художника, и даже киоск, где любая посетительница выставки может обменять нижнее белье на произведение искусства. Не только наш контакт с улицей, но и теле-, интернет-среда, перенасыщенные такого рода образами, должны были рано или поздно породить свою знаковую презентацию. Сдается, что рассуждения Стаса о терапевтическом — некоторое лукавство. Скорее Волязловский участвует в создании символики и легализации улично-приблатненного в художественном пространстве. Хорошо осознавая постоянное присутствие грубости в нашей жизни, он, как и классики критического реализма, по всей видимости, считает, что искусство есть жизнь, и отменить эстетику безобразного невозможно. Художник говорит о «достоевщине», тяготении к самоуничижению, надрывности, своеобразном мучительном конформизме.

Россия для всех. Дмитрий Гутов

МАММ / МДФ

Мы знаем художника Дмитрия Гутова не только как большого эстета, но и как тонкого провокатора, способного высказываться по разным темам весьма остроумно. Вот и проект «Россия для всех» — новое тому подтверждение. Гутов выступает в нем соавтором, идея выставки принадлежит коллекционеру Виктору Бондаренко. Именно он резко отреагировал на все чаще звучащий лозунг «Россия для русских» и предложил художнику создать ни много ни мало 84 произведения, которые будут оспаривать это заявление. В итоге зритель может видеть стену, где бок о бок висят доски, выкрашенные в различные монохромные цвета. Главным же, солью проекта, являются надписи на них - имена известных личностей и указание их национальности: «Казимир Малевич — поляк», «Владимир Даль — датчанин по отцу», «Исаак Левитан — еврей», «Александр Невский — внук осетинки» и т.д. Все эти работы выполнены в различной каллиграфической манере. Отдельно помещены доски, на которых приводятся данные переписи населения 2002 года и в алфавитном порядке указано количество лиц той или иной национальности, проживающих в России. Инсталляция порождает ощущение многоцветия и разнообразия, которое присутствует и в жизни благодаря традиционному органическому взаимодействию разных культур в нашей стране. Выставка оказалась на удивление злободневной. Все мы знаем о «русских маршах», ксенофобии, которая развита в некоторых слоях нашего общества. Много на эту темы высказываются молодые активисты от искусства, но обычно это происходит на удаленных, альтернативных площадках в агрессивной и протестной форме. Очевидно, что уровень художника, уровень идейного вдохновителя и статус зала, предоставленного Ольгой Свибловой, свидетельствует о том, что «элитарное» искусство может говорить о насущных проблемах, используя проверенные знаковые системы. Разрыв с реальностью и погружение в себя, в котором часто пытались уличить современных художников, остается в прошлом, теперь и элитарное искусство высказывается о социальных проблемах.

Дороги и фрагменты. Борис Марковников

АГЕНТСТВО ARTRU

Одновременно две выставки художника прошли в Москве. «Дороги» — проект традиционно изобразительный; в названии другого — «Фрагменты» — содержится не только принцип создания работ, но и его концептуальная основа. Речь идет не просто о живописной мозаике, которая складывается в ту или иную картину, а об отображении разного рода энергийных импульсов, заполняющих мир. Достоинством этого подхода является то, что художник не стремится к систематизации, но предлагает зрителю проследить за движением художественного порыва, возникновением мощных тектонических структур. Тяготеющие к монохромности живописные полотна создают унисонное звучание, напоминающее алеаторическую симфонию. Если в проекте «дороги» можно переходить от одного полотна к другому, разглядывать один и тот же объект в различных ракурсах, то во «Фрагментах» мы погружаемся в слитное пространство, созданное не под давлением концепции, а благодаря импровизации. В станковой живописи Марковников использует разнообразные техники, свободно интерпретирует классические приемы абстрактной живописи. Работа исключительно с цветом и фактурой может казаться довольно скупой в своей выразительности, но именно эти составляющие создают живописную композицию как монолитное целое. Живопись Марковникова вписывается в современные интерьеры галерей и жилых помещений, но в ней есть ощущение первозданной архаики, природности, отличающее ее от, скажем, минимализма. В поэзии проекта «дороги» присутствует игра пространства, затягивающая вглубь холста, художник ведет нас раскрывая вполне узнаваемый образ дороги, иногда растворяя ее в живописных глубинах. Марковников сознательно упрощает композицию, чтобы мы не теряли нить «повествования». Во «Фрагментах» иной процесс — стремительное расширение ощущений, мгновенные переходы между интонационными состояниями. Проходящие параллельно, разнесенные по разным площадкам две выставки одного автора образуют полюса напряжения, силовое поле, практически ощутимое в городском пространстве.

Подлинные ощущения Алексея Каменского

NADJA BRYKINA GALLERY

В небольшом, но уютном пространстве выставочного зала были представлены работы разных лет и различных жанров. Это своего рода маленькая ретроспектива, способная подтвердить фундаментальность и богатство творчества художника. Главным же событием данного мероприятия явилась презентация издания «Избранная поэзия русских и французских авторов» с иллюстрациями А.В. Каменского. Этот альбом представляет не просто «книжку с картинками», а целостное произведение искусства, где художник предлагает расширить знакомое поэтическое пространство. Чередующиеся листы текстов и живописной графики образуют единый поток, в котором иллюстрации помогают читателю сделать медитативную паузу, позволяют впитать, осмыслить поэтическое содержание. Можно разглядывать эту книгу как сборник репродукций графики Каменского, но если в традиционном альбоме соединение работ требует некоторых усилий от читателя — зрителя, то в этом издании объединение визуального ряда поддерживается поэтическими текстами. Часть графических листов, представленных на выставке оригиналы иллюстраций позволяют прочувствовать живой процесс создания книги. В число избранных авторов включены поэты XIX, XX веков: Александр Пушкин, Михаил Лермонтов, Владимир Маяковский, Стефан Малларме, Андре Бретон… в создании этого полиграфического произведения Алексей Васильевич участвует не только как художник, но и как наследник поэтической традиции своего отца, выдающегося русского поэта-футуриста Василия Каменского. Художник опирается на эксперименты ХХ века по соединению образа и слова, созданию визуальной интерпретации текста. Глубокое понимание им стилистики этого жанра позволяет избежать привычной в этой сфере иллюстративности, а виртуозная графика расширяет поэтические смыслы, не искажая их.

Пока петухи не пропели. Иван Плющ

ГАЛЕРЕЯ М & Ю ГЕЛЬМАН

Идея передачи в живописи временных процессов, непрерывных превращений человеческого образа под их напором не нова. Тем не менее художнику удалось по-новому осознать это. Иван уже несколько лет работает над данной серией. Работы — холсты, представляющие картинки, будто вырванные из новостных сводок, изображения людей на них в прямом смысле начинают даже не размываться, а растекаться, словно человеческое тело действительно состоит из красочной жидкой смеси. Во второй половине ХХ века развился портретный жанр, посвященный «интерактивному» взаимодействию персонажа со средой и временем, здесь обозначились два «классических» подхода. Один представлен Фрэнсисом Бэконом, другой Джакометти. Если у Бэкона динамика жизни передана в яркой вспышке и его персонажи активно и жестко взаимодействуют с миром, не только трансформируясь, но и влияя на него, то Джакометти описывает человека как пластичное и пассивное создание, подверженное деформации. В этом контексте плющ идет скорее по пути итальянца. Но ставит он несколько иную задачу — не отображает портретный образ, а стремится найти критические точки, когда происходит необратимое исчезновение человеческой индивидуальности. Плющ выбирает более пессимистическую позицию наблюдения, нежели его предшественники. Пессимизм этот реалистичен, что называется «актуален» и выражает повседневные процессы, происходящие с нами. Пластичные персонажи Джакометти монументальны и скроены из твердого и неподатливого материала (соотносящегося с первоэлементом «Земля»). В трактовке плюща личность, человек скорее принадлежит стихии воды, колеблющейся под на напором ветра — воздуха — времени. Представленная живописная серия могла бы превратиться в метафизический манифест, но автор уходит от абстрагирования. Перед нами репортажные картины — мгновенная съемка исчезающего в потоке социального индивидума.

Интроспекция. Риккардо Мурелли

ГАЛЕРЕЯ «RUARTS»

Выставка Риккардо Мурелли прошла в рамках года Италии в России. На ней представлены как живописные, так и объемные конструкции, созданные художником с 2003 года по настоящее время в рамках единой концепции интроспекции. Приятно отметить, что внутренние основания собственного искусства, поисками которых занимался Мурелли, привели его к созданию форм, нам близких и понятных: дух русского конструктивизма неизменно присутствует в работах автора. Сам художник наряду с этим течением выделяет влияние футуриста Боччиони. Можно сказать и о влиянии таких движений, как Arte Povera и «новая геометрия». В качестве особого дружественного жеста Мурелли специально для выставки в России создал композицию из сибирской лиственницы. Эта работа напоминает объекты отечественных художников, которые мы можем встретить, например, на «Архстоянии» — взаимодействие между культурами сохраняется и развивается. Вновь и вновь предпринимаются эксперименты в поиске чистых геометрических форм и построений, уже сотню лет они не изживают себя, выглядят свежо и бодро. Этот ясный стиль позволяет интерпретировать содержание в самом широком диапазоне. В зависимости от способов презентации, работы художника приобретают звучание в диапазоне от авангарда до дизайна. В работе Мурелли ощущается уверенность: при большом количестве очевидных параллелей с разными мастерами он создает легкие и внятные композиции, не боясь показаться неоригинальным. Это достоинство культурного сообщества, к которому принадлежит художник. Если Италия и переживала революции в искусстве, то они были основательно и хорошо подготовлены непрерывным развитием художественной мысли.

Новая Академия. Санкт-Петербург

ФОНД «ЕКАТЕРИНА»

Одноименное объединение было основано Тимуром Новиковым в 1990 году, время это было отмечено стремительным выходом русского искусства в пространство мирового. Молодым художникам приходилось определяться, искать свое место в новой культурологической ситуации. Только-только были легализованы и адаптированы модернистские достижения предыдущих десятилетий, и вот вновь развилка — мы встретились с миром, погруженным в постмодернистские эксперименты. Члены «новой академии» целеустремленно искали ответ на возникший вызов; иначе говоря, встал выбор между концептуальностью и художественностью, и питерские «академисты» нашли свой вариант их синтеза, направили усилия на создание качественных визуальных произведений, рефлексирующих над прошедшими эпохами подъема изобразительного искусства. Сейчас, спустя 20 лет, мы наблюдаем обратную волну того прилива энтузиазма, который возник по отношению к актуальному постмодернистскому дискурсу. Темы, обозначенные Новиковым и его друзьями, стали вновь злободневными, порождающими плодотворные решения. Движение «академии» в поисках прекрасного и классического точно и иронично сформулировала Ольга Тобрелутс: «Архаика, классический период, эллинизм». Выставка представила работы разных художников, всех их объединяет одно – тяготение к первоисточникам, выбранным в той или иной исторической перспективе. Тут можно увидеть и тканевые «картины» Новикова, работы Влада Мамышева-Монро, Георгия Гурьянова, Дениса Егельского, Виктора Кузнецова, Ирены Куксенайте. Члены «Академии» предприняли попытку, схожую с тем, чем занимается традиционализм, — деконструкции современного искусства и его реконструкции на основании исследования тех или иных временных культурологических срезов. Понятна идея, заставившая авторов пойти по этой цепочке «вглубь времен». В итоге возникло понятие «новой серьезности», но зритель не должен пугаться подобного термина. Серьезность эта современна, актуальна, узнаваема и неизменно включает элемент игры. Проект объединяет представление объемного каталога выставки, демонстрацию видео и проведение обзорных экскурсий. Наверное, именно такую, практически музейную презентацию желал бы Тимур Новиков для своего тонкого и ироничного искусства.

ДИ №1/2012