История Музея Леопольда (основатель Рудольф Леопольд, 1925– 2010) — сюжет, достойный голливудского сценария. Рудольф начал коллекционировать искусство в 1950-е годы, еще будучи студентом-медиком. В последующие десятилетия он сформировал крупнейшую коллекцию австрийского искусства XIX–XX веков и самое большое в мире собрание работ Эгона Шиле — акварели, картины, рисунки. «Отшельники» (1912) — первая картина Шиле, приобретенная в 1953 году у Артура Штеммера в Лондоне за 30 тысяч шиллингов (приблизительная стоимость автомобиля, который мать Рудольфа обещала ему в качестве подарка по поводу завершения обучения). Отказавшись от автомобиля, Рудольф купил картину Шиле, и это был кульминационный момент в его деятельности как коллекционера. За последующие пять десятилетий Рудольф и его жена Элизабет собрали около 5 тысяч экспонатов.

Это одна из крупнейших коллекций модернистского искусства Австрии. Музей Леопольда приобрел славу музея югендстиля. Сначала Рудольф собирал работы художников XIX века, затем сосредоточил внимание на творцах, которых несправедливо игнорировали, в частности Шиле, которым восхищался. После смерти художник был известен узкому кругу ценителей, так как умер в 28 лет. В нацистский период его почти совсем забыли, лишь некоторые специалисты считали сугубо местным явлением. В 1972 году Рудольф опубликовал монографию о Шиле. В коллекции также появились работы его современников и последователей — Климта, Кокошки, Г. Бекля и произведения крупных художников XIX века. В собрании Леопольда сделан акцент на искусствах и ремеслах конца XIX столетия, включая дизайн, гравюры и рисунки, и межвоенного периода, а также искусстве после 1945 года, народном искусстве, художниках Африки и Океании. В 1994 году для сохранения уникальной коллекции был создан частный фонд, учредивший музей Леопольда, в 2001-м переехавший в новое здание в Музейном квартале Вены в окружении барочных имперских строений — гигантский белый блок из известняка высотой 24 метра с как бы случайными окнами. В центре здания — 19-метровый атриум с застекленным потолком, рождающим ощущение классической гармонии и монументальности, панорамными окнами на четвертом этаже, где открывается великолепный вид на дворец Хофбург и крыши домов в центре Вены. «Автопортрет с растением и китайскими фонариками» (1912) Шиле — один из самых популярных в его творчестве. Голова изображенного повернута направо, но глаза смотрят в другом направлении. Странное напряжение в картине усиливается благодаря тонким ритмическим сопоставлениям элементов изображения. Наклон веточки с листьями и китайскими фонариками слева, как эхо, повторяет наклон головы человека, а мягкая линия опущенных плеч создает резкий контраст с жесткой структурой фона. Цветовые сочетания также соотнесены с рисунком, богато нюансированная цветовая гамма лица портретируемого подчеркнута красным зрачком его глаз. На автопортрете Шиле изобразил себя как натуру чувствительную и творческую. А в картине «Отшельники» (1912) он отдал дань уважения Климту, наделил отшельников сходством с собой и Климтом. Две фигуры в темных облачениях словно плывут на слегка наклоненном фоне. Кажется, лишь маленькая поникшая роза символизирует надежду на возможность спасения. Полные, чувственные губы Шиле резко контрастируют с его впалыми щеками. Каждая деталь композиции свидетельствует о трагическом восприятии мира. На картине Климта «Смерть и жизнь» (1910–1915) обнаженные тела переплетены и окружены обильными декоративными элементами и цветами. В центре композиции молодые женщины и мать с ребенком, кажется, что они погружены в мечту о счастье. Контраст с ними составляет другая группа — пожилая дама и любовная пара, они словно готовы к испытаниям судьбы. На это указывает фигура Смерти, парящая слева, задрапированная в декоративные ткани. Есть нечто сугубо венское в этой картине, где странно соседствуют счастье и страдание. Никто не смотрит на Смерть, но облик старой женщины и любовной пары говорят о ее предчувствии. На афише спектакля «Пьета» (1909) Кокошки для летнего театра в Вене изображена черноволосая женщина со склоненной головой. Ее руки обнимают тело мужчины, лицо с искаженными чертами и рисунок головы напоминают череп. В левой части композиции солнце, справа — луна, символы мужского и женского начал. Группа изображена на темном фоне, это делает смысл изображенного еще более провокативным. Тема борьбы между полами представлена в весьма радикальной форме.

В музее есть любопытный зал — «Ричарда Герстла и Матильды Шенберг», посвященный истории любви художника к жене композитора Шенберга, из-за которой он в 25 лет совершил самоубийство. «Автопортрет» (1908) написан за два месяца до этого. После краха любовной связи с Матильдой Шенберг художник оказался в изоляции от общества, не простившего ему этих отношений. Потому он изобразил себя с тщательно выписанными гениталиями, человеком незащищенным, беспомощным, отдавшим себя в руки судьбы. Но в то же время это был протест против общественной морали. Сильно освещенная фигура написана динамичными мазками на фоне абстрактной композиции в синих и желтых тонах, темный пол и стены — в красных и коричневых. Широко распахнутые глаза художника пристально смотрят на зрителя. Живописными средствами он с поразительной ясностью говорит, что больше не видит смысла в жизни.

В зале, посвященном Венской мастерской, демонстрируется разнообразная продукция. Возникшая в 1903 году по инициативе К. Мозера и Й. Хофмана мастерская была нацелена на создание элегантных и художественных предметов обихода, альтернативных промышленным имитациям прошлых стилей. Успешное сотрудничество Мозера-графика и Хофмана-архитектора выразилось в создании художественных предметов для повседневного пользования: мебели, утвари, ваз, изделий из стекла, витражей, афиш, ювелирных изделий. Члены Венской мастерской стремились дизайнерски осмыслить всю предметную сферу жизни, отразить вкус новой эпохи, получивший название Gesamtkunstwerk. Сначала в мастерской доминировали упрощенные формы и геометрические орнаменты, использовалась контрастная черно-белая гамма. Хофман призывал к более тесным контактам между публикой, дизайнером и ремесленниками, к созданию добротных простых изделий для домашнего пользования. «Корзина с решетчатым орнаментом» (1904), кубическая ваза с синей декорацией (1900) Мозера, новаторские и необычные по форме изделия из белого матового стекла с синими и белыми полосами и пятнами… Подобным образом декорированными предметами роскоши Мозер формировал вкусы элегантного венского общества. Изделия Венской мастерской соответствовали духу эпохи, миру Фрейда и Витгенштейна, музыке Ма-лера и Шенберга, отражали атмосферу салона Эмили Флоге, подруги Климта, позволяли проникнуть в суть трагической истории любви Герстла и Матильды Шенберг.

После ухода из жизни Мозера, Климта, Шиле, Вагнера культурная сцена Вены, казалось, утратила своих основных героев. Но период между двумя войнами был плодотворен для науки, музыки, литературы и искусства. Среди стилистических тенденций того времени выделяют «экспрессивный колоризм» — специфический австрийский экспрессионизм, столь типичный для австрийского искусства как нового проявления барочного духа. К этой традиции причисляют Кокошку, Г. Бекля, Г. Франкла (группа «На опушке леса», 1920). Другое крупное течение — «Новая вещественность» (Р. Вакер, Ф. Седлачек) — австрийская версия магического реализма. На четвертом этаже выставка «Вена 1900. Из коллекции Леопольда» дополняет экспозицию югендстиля несколькими значительными работами, полученными в аренду (Шиле, Мозер, Бекль), а также образцами продукции Венской мастерской. Музей Леопольда и его яркая коллекция представляют впечатляющую картину искусства и культуры Австрии в XIX–ХХ веках.

​ДИ №2/2014