Симфонии Гутова. Stella Art Foundation. 16 декабря — 30 февраля

В галерее «Stella Art Foundation» прошла выставка Дмитрия Гутова «Портреты композиторов». Художник уверенно продвигается по пути осознания природы искусства. И в отличие от своих коллег-постмодернистов, с которыми его соотносят, он все тоньше ощущает материальную стихийную его составляющую.

На выставке представлены двадцать семь портретов великих композиторов музыки. Они выполнены в основном в монохромной живописной технике, воспроизводящей канонические изображения, которые мы часто встречаем в музыковедческой литературе. Два портрета (Вагнера и Шуберта) представляют собой сложные металлические пространственные рельефы, в которых наглядно материализована графика, раскрыт ее внутренний потенциал к трансформации, как в область чистой идеи, так и в законченный образ. Тенденция к стиранию границ между графикой, скульптурой и живописью в этих объектах проявляется с редкой ясностью. Главным становится содержание произведений, послание зрителю.

В этом смысле выбор темы, отсылающей к классической музыке, последователен. Как и в музыке, в творчестве Гутова присутствуют особого рода события: казалось бы, формальные построения в какой-то момент превращаются в целостный и ясный образ. Эта человечность, неформализованость и отличают автора. Гутов, не разрушая установленных границ, норм в отношении формы, остается эстетом.

Скорлупа. Крокин-галерея. 15 декабря — 9 января

Название выставки трех художников — Сергея и Татьяны Костриковых и Александра Градобоева — «Скорлупа» указывает как на технический метод, которым решили воспользоваться художники, так и на их концептуальное восприятие того, что мы называем произведением искусства. Художники предлагают воспринимать параллельно две противоположные вещи — оболочку, собственно художественный объект, который разглядываем, и его содержание, осознание которого требует особых усилий. Эта «птичка», духовное содержание, вылетая из яйца, разрушает его и оставляет неподготовленному зрителю горки скорлупы, называемые произведением искусства. Другой концептуальный момент, обозначенный авторами, символ яйца. В своих композициях они превращают его в модуль. Зритель может трактовать присутствие этого модуля с разных точек зрения. Это могут быть и монады Лейбница, и совершенные эйдосы неоплатоников, и т.д. Мы имеем дело с тотальной концептуальной инсталляцией, обобщающей ряд философских представлений. И, что ценно, построена она весело легко, без претензий на заумность, хотя касается весьма серьезных проблем. Большинство объектов вызывают улыбку, а иногда и смех. Например, «яйца Фаберже», разложенные в гигантских магазинных ячейках; или оригинальная версия картины Рембрандта «Урок анатомии доктора Тульпа», представленная тут же в репродукции, воспроизведена в скульптуре из битых яиц, в которой исчезает грань между живыми персонажами и биологическим материалом. Все — скорлупа, все — видимость. Но эта поверхностная видимость вполне осязаема и представляет собой активную форму. В этом проекте художникам удалось найти простой, универсальный, а главное, полный юмора язык для интерпретации сложных проблем.

Вид с земли и воздуха. Галерея «Культпроект». 17 ноября — 16 января

В выставке «Топография места. Вид с земли и воздуха» приняли участие три художника: Владимир Наседкин, Игорь Шелковский, Андрей Бисти. Каждый автор предложил свой вариант осмысления окружающего нас пространства: связанное с городской средой, оно урбанистично, конструктивно. Стилистика его описания может иметь множество оттенков. Художникам удалось выделить яркие спектральные линии в этом широком диапазоне. Объемно-живописные конструкции Шелковского словно произрастают из почвы, а точнее, из асфальта большого города. Они обладают способностью к органичному включению в интерьер или ландшафт. Эти живописные скульптуры похожи на кораллы на дне городского океана, они ощущаются своеобразными рифами, барьерами в пространстве улиц и площадей.

Николай Наседкин вглядывается в перспективу со стороны, если не сказать с высоты, которую он создает как тектоническую, геополитическую структуру. Художник распластывает грандиозные панорамы, эти плоскостные, но фактурные композиции делают доступными для обозрения не только урбанистический центр, но и мифологические пространства города. Мистическое присутствие черного во всех его работах, использование при их изготовлении конкретной земли и почвы позволяет ему не только продолжить традицию русского конструктивизма, но и придать ей новое обобщающее звучание. Эти два художника органично дополняют друг друга: «взгляд изнутри, взгляд извне». Андрей Бисти балансирует между обозначенными полюсами. Представленные им произведения выполнены из добротных и тяжеловесных материалов, но оставляют впечатление легкости и даже призрачности. Объекты включают в себя элементы кинетической скульптуры, что сообщает им динамичность. Не так часто случаются выставки, объединенные фундаментальными концептуальными установками. Данная экспозиция оправдывает свое название и помогает зрителю по-новому, с неожиданных точек наблюдения увидеть среду, в которой мы существуем.

Возвращение к реализму. Галерея «Триумф — Метрополь». 3—30 декабря

В проекте «На районе 2» дуэт Александра Виноградова и Владимира Дубосарского демонстрирует способность к развитию. Не изменяя живописной техники, оба художника радикально изменили концепцию своих произведений, которые выстраиваются в новый большой цикл. Смягчена ирония, отброшены утопические темы — авторы обращаются к окружающей реальности. Определенную парадоксальность они сохраняют: сознательно сталкивают яркость и оптимизм с серой повседневностью. Сделанные с использованием фотографии, легкие по цвету, но значительные по размеру работы фиксируют именно то, что происходит в конкретном месте, например, в городе Химки, где находится мастерская художников. Когда они разглядывают бытовые сценки или персонажей, то выбирают наиболее жизнерадостную трактовку окружающего. Чтобы создать диссонанс, сделать картину еще более реалистичной, художники дополняют серию несколькими мрачноватыми работами, посвященными жизни бeздомных собак. Это смешение позволяет им избежать упрека в идеализации и приукрашивании действительности, без него оптимизм основной части экспозиции создает впечатление недоговоренности. «Любое новое поколение художников пыталось увидеть жизнь по-своему и как-то максимально к ней приблизиться: и Веласкес, и ”малые голландцы”, и импрессионисты, поп-артисты, акционисты — цель одна. И мы тоже пытаемся нащупать контакты c сегодняшней жизнью, чтобы люди постарались увидеть все это сами», — говорит Дубосарский. Если бы художники продолжали работу в том направлении, которое принесло им известность, это было бы явным движением в сторону коммерческого искусства. Вовремя почувствовав это, они пошли по новому пути, стремясь быть ближе и понятнее зрителю.

Американская традиция. Выставка Джека Пирсона. Галерея «Риджина». 24 ноября — 15 января

Пирсон развивает ставший уже традиционным поп-арт, трансформируя его в своего рода новый классицизм, классицизм постмодерна. Не прибегая к новым изобразительным формам, стилистическим приемам, он работает в условиях нового времени с языком, найденным в 1960-е годы. Художник уверенно чувствует себя, создавая произведения в различных жанрах: объединенные в экспозицию, они органично сосуществуют. В Москве были представлены композиции, составленные из неоновых вывесок, рекламных букв и значков, собранных по всему миру, а также авторские фотографии, в манере постера дополненные складками и вмятинами. Казалось бы, все узнаваемо — вспоминаются Джозеф Кошут, Джаспер Джонс, Роберт Индиана и другие. Но мы видим появление ностальгических, печальных настроений, существенно отличающихся от того веселого задора, каким обладали основатели поп-арта. Геометрически отчетливые композиции Пирсона парадоксально передают визуальную какофонию современного городского пространства — перемешаны знаки, реклама, указатели, утрата символического значения превращает их в изолированные элементы однородного пространства, обладающего декоративной ценностью. И автору, и зрителю в этой среде не остается ничего иного, кроме как погрузиться в самого себя, предаться случайным ассоциациям, своего рода воспоминаниям об утерянных смыслах. В этой ситуации художник подбадривает нас тонкими цветовыми решениями работ, созданных буквально из подручного материала.

Новая украинская классика. Галерея Марата Гельмана. 23 ноября — 31 декабря

Украинский художник Александр Ройтбурд узнаваем по текстуре и тектонике своих произведений, в них явно присутствует южнорусский темперамент. Автор часто объединяет фрагменты классических живописных полотен и элементы фольклора. А структурная основа произведений, и собственно выразительный пласт — своеобразная абстрактно-живописная графика, заставляют вспомнить Дюбюфе. И то и другое принадлежит к европейской традиции, а их смешение, сплав в единую фактуру созданы явно украинским художником с традиционным чувством юмора и жизнерадостным цинизмом. Автор как бы освежает классические образцы, передавая неоднозначные ощущения, возникающие от них в современном динамичном, взвинченном сознании. Уходят и трагизм, и созерцательность первоисточников, остается трагикомедия: попытка создания нового произведения искусства. Интересно, что на родине автор уже считается классиком. Для московского зрителя, воспитанного в интеллектуальной концептуальной строгости, это искусство воспринимается скорее как китч. Очевидно, что это не проблема художника, а следствие ограниченности диалога с родственными и просто территориально близкими культурами.

ДИ №1/2011